Alan Hovhaness - Cello Concerto and Symphony No. 22
*Dedicado a la cellista con muchas cualidades artísticas y sobre todo con un gusto hacia la música contemporánea - Mercedes López
La “Sinfonía Nº 22” (City of Light) Op.236 fue compuesta en 1970 cumpliendo un pedido de la Birmingham Symphony Orchestra para la celebración del centenario de la ciudad de Birmingham, Alabama, fundada en 1871. El título de la obra no se refiere propiamente a dicha ciudad como manifestó Hovhaness diciendo, estaba pensando en un millón de luces, una ciudad imaginaria.
El primer movimiento, allegro moderato, después de una breve introducción, nos presenta una de sus características melodías en forma de himno, interpretada por los trombones. Es su ciudad bañada de luz y espiritualidad. La música es sometida a diversas variaciones, usando como siempre formas contrapuntísticas. En la parte final la trompeta interpreta nuevamente el himno que nos conduce a la coda basada en el mismo.
El segundo movimiento, largo, se subtitula Angel of Light, expresando un recuerdo de su niñez, impresionado por la Navidad. Una introducción de la cuerda empieza una sección que nos traslada al pasado de la nostalgia. Una melodía navideña es presentada con gran suavidad. Interrumpida por la idea inicial, la melodía navideña se repite.
El tercer movimiento, allegretto grazioso, está basado en una melodía rítmica. Pertenece a una opereta llamada “Lotus Blossom” compuesta cuando Hovhaness estaba en la escuela durante la década de los 1920. Después de unos compases introductorios escuchamos el motivo rítmico que posee el aire de un baile folclórico irlandés. La música se desvanece en el pasado.
El último movimiento, finale, largo maestoso, lleva el subtítulo Hymn of Praise. Un largo movimiento desarrollando un himno de alabanza. Después de su presentación inicial en un modo solemne, la melodía se desarrolla presentada en varias voces, aplicando sus técnicas contrapuntísticas, que siempre ha realizado como gran admirador de Bach. Según el autor es una música intemporal evocadora de luz y espacio, de naturaleza y espiritualidad. En la parte final una fuga es iniciada por la cuerda grave, remontando hacia las alturas empujada por el metal y la orquesta entera.
| Resumen biográfico de Alan Hovhaness por Marco Shirodkar |
| Early Years (1911–1930) |
Hovhaness nació Alan Vaness Chakmakjian en el afluente suburbio de Somerville, Massachusetts, Boston, el 8 de marzo de 1911. Su padre armenio, Haroutioun Hovanes Chakmakjian, era de Adana (ahora en Turquía) y era profesor de química en el Tufts College. Su madre, Madeleine Scott, era de ascendencia escocesa, y no aprobaba especialmente el aprendizaje del joven Alan sobre la cultura armenia por parte de su padre. Ella se aseguró de que fuera conocido simplemente como Alan Scott Vaness, que es el nombre que se ve en su música más antigua. Después de su muerte en 1931, el compositor usó el apellido Hovaness (después de su abuelo paterno) y luego agregó una 'h' después de la 'v' alrededor de 1942, convirtiéndose así en Hovhaness con la acentuación en la segunda sílaba.
Sin ningún estímulo especial, Hovhaness se sintió atraído por la música a la edad de 4 años y recibió sus primeras lecciones de piano a la edad de 7 años, momento en el que ya estaba improvisando y componiendo con su propia notación. Afirmaba que a veces había compuesto en secreto durante la noche en sus primeros años, y la creatividad nocturna fue sin duda la norma durante gran parte de su vida. En una entrevista, dijo una vez: "Mi familia pensó que escribir música era anormal, por lo que confiscarían mi música si me atrapaban en el acto. Solía componer en el baño y esconder los manuscritos debajo de la bañera". Hovhaness dijo que nunca "quiso convertirse" en compositor, pero que el acto de componer le parecía natural. Al crecer sin hermanos y con una naturaleza algo tímida, concentró sus energías en actividades solitarias pero creativas, como leer, escritura y pintura. Otro interés de la infancia fue la astronomía. A los 14 años, sin embargo, se había decidido firmemente por un camino musical. En conjunción con un libretista de secundaria, Hovhaness escribió sus primeras óperas.Lotus Blossom , Bluebeard y Daniel .
Cuando era niño, adquirió un amor por las montañas a través de largas caminatas y experiencias metafísicas aparentes en las colinas de Nueva Inglaterra. Tales paisajes fueron los temas frecuentes de sus pinturas y dibujos. Las montañas siempre fueron importantes para él, determinando los lugares en los que eligió vivir, como Lucerna en Suiza y Seattle en la costa del Pacífico, y demostraría ser una inspiración de por vida para muchas obras con títulos evocadores, como Mountain of Prophecy y Visión desde High Rock .
La educación universitaria de Hovhaness comenzó en el Tufts College y su formación musical fue de la forma académica normal. Aunque su educación parece haber sido relativamente convencional para un bostoniano, Hovhaness desde el principio tenía un gran interés en asuntos de naturaleza espiritual.
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| 1930 |
La primera formación compositiva de Hovhaness fue en 1932 en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra de Boston, bajo la tutela de Frederick Converse. A principios de sus veintes (principios de la década de 1930) la música de Hovhaness estaba atrayendo cierto interés en los círculos musicales de Boston. Un mentor musical temprano fue Sibelius. El joven Hovhaness asistió una vez a un concierto en Boston con la cuarta sinfonía de Sibelius y años más tarde comentó: "Pensé que esa pieza, sus grandes melodías al unísono, tan solitarias y originales, decían todo lo que había que decir ... y no solo sobre música".
Pero Hovhaness ya estaba mirando hacia el este también: "En la década de 1930, en Boston y Nueva York, escuchaba a cantantes armenios y kurdos, y estaba influenciado por lo que estaba haciendo Uday Shankar, el hermano de Ravi. Las modalidades orientales siempre estuvieron ahí". El bailarín Uday Shankar y el músico del norte de la India, Vishnu Shirali, habían actuado en Boston en 1936, una época en que la música india apenas se conocía en Occidente.
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 | Hovhaness en 1935 foto copyright y cortesía de Hinako Fujihara Hovhaness |
En 1935, motivado por su gran amor por la música de Sibelius, Hovhaness y su primera esposa, la entonces embarazada (artista Martha Mott), visitaron Finlandia para encontrarse con Sibelius. Se entabló una amistad, y el maestro finlandés más tarde se convirtió en padrino de su hija, una hija, que en homenaje se llamaba Jean Christina. Algunos de los primeros artículos sobre Hovhaness afirman que era algo así como un "Sibelius estadounidense", pero esta atribución errónea es probable porque dio una conferencia sobre Sibelius en un momento en que el compositor era poco conocido. En la entrevista, Hovhaness luego refutó cualquier idea de que su música era neo-sibeliana, y de hecho un examen superficial de las primeras partituras muestra que, si bien hay algunos destellos de la escritura y la escasez de cuerdas sibelianas,
Sin perspectivas de actuaciones orquestales, Hovhaness naturalmente escribió predominantemente música de cámara en la década de 1930. Hay canciones y muchas obras para piano, incluida una ( Mystic Flute , 1937) de la cual Hovhaness escribió más tarde que Rachmaninov tocó en sus giras de conciertos. El Cuarteto de Cuerdas de 1936 No.1 Op.8, muestra un impresionante comando de contrapunto disciplinado. En particular, el cuarto movimiento trata fugalmente a cuatro sujetos contrastantes antes de superponerlos a los cuatro con gran facilidad, un concepto probablemente inspirado en el final de la Sinfonía de Júpiter de Mozart . Con la sinfonía del exilio de 1937(ahora conocida como Symphony No.1, Op.17), la humanidad del joven compositor brilló mientras abordaba la persecución de los armenios por los turcos en la década de 1930. Un éxito temprano significativo llegó en 1939 cuando Leslie Heward, director principal de la Orquesta Midland de la BBC, Inglaterra, dirigió la Sinfonía del exilio . Heward estaba muy impresionado, en una entrevista en Nueva York consideró que la música de Hovhaness es "poderosa, viril y musicalmente muy sólida; tiene agallas, se apega a los fundamentos ... es un genio y creará obras aún mayores". Lamentablemente para Hovhaness, Heward murió de tuberculosis a la edad de 46 años, privando así al compositor de un útil campeón.
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| 1940 |
A principios de la década de 1940, varias experiencias desviaron el pensamiento musical de Hovhaness de los modos de expresión predominantemente occidentales hacia su "destino musical", una alquimia altamente personalizada y casi perfecta de Occidente y Oriente.
Su receptividad a la cultura armenia se reavivó en 1940 cuando se convirtió en organista en la Iglesia Armenia de St. James en Watertown, Massachusetts. Aquí estuvo expuesto a los modos y la monodia de la liturgia armenia, así como a las obras del compositor-sacerdote Komitas Vartabed, de quien tenía algún conocimiento. "Cuando era niño, mi padre tenía este maravilloso disco de música coral del compositor armenio Komitas. Para mí, él es el minimalista original, y fue a través de Komitas que tuve la idea de decir lo menos posible con la menor cantidad posible notas ". Mucho más tarde, a principios de la década de 1970, Hovhaness grabó la música para piano de Komitas y dirigió sus obras corales. Durante la mayor parte de la década de 1940, Hovhaness se mantuvo modestamente a través de la posición de su organista en la Iglesia Armenia de St. James.
Durante la década de 1940, Hovhaness hizo varios intentos de obtener asistencia financiera a través de las Becas Guggenheim. En 1940, Hovhaness escribió el siguiente credo de mente alta en sus documentos de solicitud:
Habría cuatro solicitudes fallidas más para la financiación de Guggnheim antes de que el éxito finalmente llegara en 1953 y '54.
En 1942, Hovhaness ganó una beca en Tanglewood para estudiar en la clase magistral de Bohuslav Martinu. Este período se volvió agrio cuando también entró en contacto con Bernstein, Copland y su círculo impresionable en la clase de composición. Ya como un paria entre esta camarilla (no siendo judío, homosexual o entrenado en París), su comportamiento naturalmente tímido y distante solo podría haber amplificado su inquietud en el entorno altamente competitivo de Tanglewood. Hovhaness declaró más tarde que su música fue ridiculizada por miembros de este grupo, destacando a Bernstein y Copland. Mientras que Leslie Heward había aclamado públicamente anteriormente la Sinfonía del exilioBernstein supuestamente lo descartó como "música de ghetto" después de escuchar solo algunas de las grabaciones de Heward, y Copland procedió a hablar en voz alta (en español) sobre la grabación, evitando que otros escucharan. Percibiéndose a sí mismo el objeto del ridículo, un Hovhaness algo reaccionario abandonó abruptamente Tanglewood, con su seguridad artística algo menoscabada. En el caso, solo hubo una reunión con Martinu, en contra de la afirmación a menudo hecha de que Hovhaness era un "estudiante de Martinu".
En este punto de crisis artística, Hovhaness encontró la fuerza de la amistad con dos artistas de Boston, Hyman Bloom (que más tarde se hizo famoso) y Hermon di Giovanno. En 1943, Di Giovanno, un pintor griego y místico, supuestamente guió a Hovhaness a los antiguos mundos de Grecia, Egipto, Armenia e India. Hovhaness describió a di Giovanno como el "maestro espiritual que abrió la puerta a la dimensión espiritual". Fue una influencia fundamental porque alentó a Hovhaness a buscar su herencia armenia paterna y ser fiel a sí mismo en sus actividades.
Las decepciones del compositor en Tanglewood, su participación en la música de la iglesia armenia, y posiblemente las enseñanzas de Di Giovanni de seguir la voz interior y no el ego, convergieron para incitar a Hovhaness a hacer un balance serio de su identidad y su arte. Actuó con decisión, destruyendo o descartando muchas piezas escritas hasta el momento, aunque probablemente no las míticas "mil más" obras que uno puede leer en otros lugares. Con este acto catártico desaparecieron algunas de las primeras obras importantes, incluidas 2 óperas y alrededor de 7 sinfonías, una de las cuales ganó el premio Samuel Endicott en 1933. Sin embargo, algunas piezas tempranas sobrevivieron (por ejemplo, un Concierto para violonchelo de 1937 que salió a la superficie para su estreno profesional en 1999 ), se reciclaron en trabajos posteriores, o simplemente se reintrodujeron en el compositor " s catálogo años más tarde con números opus engañosamente altos. Al comentar unos 50 años más tarde sobre este acto de autocrítica, Hovhaness comentó: "En realidad, me estaba mudando [desde Boston] a un apartamento más pequeño en Nueva York y tuve que deshacerme del exceso de equipaje".
En febrero de 1944, Hovhaness formó una orquesta de aficionados para interpretar música basada en intervalos puros, de la que había aprendido a través de su publicación en la Iglesia de St. James, donde trabajó con sacerdotes armenios. La respuesta al primer concierto de la orquesta en junio alentó a Hovhaness a crear "melodías gigantes en modos simples y complejos en torno a la papelería o centros móviles tonales". Así, a partir de 1944 comenzó un período de trabajos con títulos o temas armenios. En su mayor parte, Hovhaness empleó modos armenios y no citó melodías populares armenias, con la aparente excepción de las tres rapsodias armenias.. Por lo tanto, 1943-1951 se conoce como "período armenio" de Hovhaness, aunque reconoció las influencias indias concurrentes en estas obras. El encantamiento melódico extendido, casi a expensas de la armonía, es la principal preocupación durante esta fase creativa, y largas secciones de obras son armónicamente estáticas con solo un pedal (o quinto abierto abierto).
En el concierto de 1944 para piano y cuerdas, Lousadzak , la parte del solista es una melodía gigante exquisitamente filigrana, monofónica, que imita instrumentos de cuerda armenios y turcos. En este trabajo seminal, Hovhaness introdujo su técnica aleatoria, inicialmente llamada 'murmullo espiritual'. Aquí, los artistas repiten individualmente una frase melódica designada una y otra vez sin sincronía con el resto de los jugadores de esa sección. La invención de esta llamada técnica ad libitum se atribuyó erróneamente al compositor polaco Witold Lutoslawski, porque unos 17 años después la empleó por primera vez en su obra orquestal de 1961 Jeux Venitiens .
A mediados de la década de 1940, varios de los nuevos trabajos de Hovhaness se estrenaron bajo su batuta en Boston. La reputación del joven bostoniano como una fuerza musical que desafía la categorización fue creciendo. Poco después, su memorable debut en Nueva York tuvo lugar e incluyó el estreno del concierto para piano Lousadzak , que marcó un punto de inflexión para Hovhaness. El compositor y crítico de periódicos Lou Harrison lo recordó así:
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"Recuerdo el estreno de ese trabajo en el Ayuntamiento, y la enorme emoción que produjo la repentina aparición de Alan en Nueva York. El intermedio que siguió a [ Lousadzak ] fue lo más cerca que estuve de uno de esos disturbios artísticos de renombre. En el lobby, los cromatistas y los americanistas continuaban a altos decibelios. Lo que lo conmovió, por supuesto, fue que aquí vino un hombre de Boston cuya música obviamente hermosa y fina no tenía nada que ver con ninguno de los dos campos, y de hecho era la suya. Algo muy maravilloso para empezar. Mi invitado John Cage y yo estábamos muy emocionados, y corrí al lamentado Herald Tribune y escribí una crítica entusiasta mientras John regresaba a la Sala Verde para encontrarse con Alan ".
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Tal fue el entusiasmo de John Cage, se dedicó a supervisar la publicación de la reciente obra de dos piano Mihr (Op.60) de Hovhaness para la serie New Music de Henry Cowell . Dado que a Cage se le atribuye ser el padre de la música aleatoric, quizás sea históricamente significativo que haya sido consciente de la escritura cuasialeatoria de Hovhaness empleada desde Lousadzak de 1944 en adelante. Hovhaness describió la crítica periodística de Harrison como "la primera buena crítica que tuve ... un gran estímulo". Otro éxito para Hovhaness llegó en 1945, cuando Martha Graham encargó música para su ballet Ardent Song .
Con mucho, la mayor mano de ayuda que Hovhaness recibió (y necesitó) en la segunda mitad de la década de 1940 fue de colegas armenios en las áreas de Boston y Nueva York. La Dra. Elizabeth Gregory se hizo amiga de Hovhaness a principios de la década de 1940 y fue la fuerza impulsora detrás de sus primeros conciertos en Boston. Poco después, el pianista Maro Ajemian conoció a Hovhaness en Boston y ayudó a lanzar su carrera en Nueva York al cofundar The Friends of Armenian Music Committee a fines de la década de 1940. En el centro de este comité estaba el pianista Maro Ajemiany su hermana violinista, Anahid. Las talentosas hermanas Ajemian sacrificaron el estrellato internacional para concentrarse en la música contemporánea, de la cual Hovhaness fue quizás el principal beneficiario cuando comenzaron. Ayudaron a crear un `` zumbido '' en Nueva York sobre el compositor a través de dos conciertos de música orquestal de Hovhaness, enormemente exitosos, patrocinados por Friends, primero en el Carnegie Hall y luego en el Town Hall, con excelentes críticas en el New York Times (Olin Downes) Herald Tribune (Virgil Thomson) y otros periódicos de Nueva York. Los comentarios a menudo citados por Thomson, de febrero de 1947, fueron los siguientes:
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"... la alta calidad de esta música, la pureza de su inspiración, se evidencia por la extrema belleza de su material melódico (que es material original, no folclore recolectado) y en la perfecta dulzura del sabor que deja en la boca. Allí no es vulgaridad en él, nada simple, tonto, fácil o de baja intención. Trae placer al oído y placer al pensamiento. A pesar de toda su complejidad auditiva, porque la ornamentación es su esencia, es completamente simple en sentimiento, puro en espíritu y de mente alta. Y para los oídos occidentales es completamente refrescante. Entre todas nuestras contribuciones estadounidenses al arte musical, que son muchas, es una de las más curiosas y originales, sin apoyarse en ningún punto en la ignorancia, idiosincrasia o encanto personal ".
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The Friends of Armenian Music también ayudó a Hovhaness financieramente durante su desesperada situación financiera en la década de 1940 y principios de la década de 1950. La defensa de Maro Ajemian continuó en casi todas las primeras grabaciones de Hovhaness. Fue la intérprete esencialmente responsable de 38 de las aproximadamente 40 grabaciones de Hovhaness realizadas entre 1946 y 1957, y muchas de ellas fueron producidas por el esposo de su hermana George Avakian (en Disco) o sus amigos productores (en Mercury).
En 1947, Hovhaness se casó con su tercera esposa, la bailarina Serafina Ferrante. Tenía 36 años, ella 18, pero fue su matrimonio más feliz hasta la fecha. Al año siguiente, Hovhaness fue invitado a unirse a la facultad del Conservatorio de Música de Boston, donde enseñó durante tres años, mientras conservaba sus deberes en la iglesia armenia de Watertown. Sus deberes en el Conservatorio incluían enseñar composición y dirigir la orquesta estudiantil. Este puesto de enseñanza no obstaculizó su productividad, y los estudiantes recuerdan que en sus clases no impuso ningún dogma compositivo, a diferencia de otros compositores allí.
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| En 1949, el American Music Center le pidió a Hovhaness que aportara información para su Encuesta biográfica de compositores estadounidenses. Completamente consciente de que estaba evitando las voces musicales de mediados de siglo (Americana, composición de 12 tonos e incluso atonalidad), escribió: "Es mejor que no se mencionen mis becas o educación porque mi dirección está completamente alejada del camino aprobado de cualquiera de mis maestros, por lo tanto, la responsabilidad [por las actitudes hacia mi música] no se infligirá a nadie más que a mí mismo ". |  |
| 1950s |
En la década de 1950, Hovhaness, ahora en sus cuarentas, adquirió gradualmente una reputación considerable, recibiendo honores académicos y un flujo constante de comisiones. Estas comisiones, muchas de orquestas de primer nivel, vieron a Hovhaness embarcarse en una fase de escritura más occidental, utilizando las orquestas sinfónicas estándar ahora a su disposición. La década de 1950 fue testigo del primer lote de sinfonías de movimientos múltiples con secciones de tutti neorrománticas, un lujo notablemente ausente de las obras modestamente puntuadas de la década de 1940. Las influencias armenias dieron paso, aunque no por completo, a diversas influencias, incluida la polifonía neorrenacentista, un resurgimiento de la escritura fugal, ragas indias y una marcada ampliación de la armonía para incluir tríadas y relaciones cromáticas. La paleta tímbrica de Hovhaness también se expandió enormemente, ahora incluye efectos altamente coloristas (p. Ej. grupos de celesta que recuerdan a Webern) y un empleo más audaz de secciones `` sin ritmo '', que hasta ahora habían sido silenciosos fondos de pizzicato, pero ahora salieron a la luz e incluyeron tanto grupos de cuerda como de viento. Los ciclos rítmicos altamente desarrollados, relacionados con la tala india y las órbitas planetarias, también surgieron alrededor de 1949.
En 1951, sintiéndose capaz de sostenerse más a través de la composición, Hovhaness se mudó nuevamente a Nueva York para comenzar la composición a tiempo completo. Escribió música para radio, televisión, teatro y danza. Pasó dos años (1951-53) componiendo música en diversos estilos étnicos para Voice of America (donde uno de sus papeles fue como Director de Música, compositor y consultor musical para la sección del Cercano Oriente y Transcaucásico). La singularidad y la creciente apreciación de su música aseguraron un premio del Instituto Nacional de Artes y Letras. Entre 1953 y 1955 obtuvo dos becas de composición de la Fundación Guggenheim. Durante este tiempo viajó a Grecia y las islas griegas orientales. 1954/55 tuvo éxito en Broadway con su fascinante puntaje para la obra de Clifford Odet The Flowering Peach, que tuvo 135 actuaciones en el Teatro Belasco de Broadway. Después de esto, NBC encargó dos puntajes documentales, para Assignment India y Assignment South-East Asia .
Muchos de estos pequeños éxitos llevaron al mayor avance de Hovhaness a mediados de la década de 1950. Symphony No.2 titulada Mysterious Mountain , se estrenó (pero probablemente no fue comisionado) para el debut de Leopold Stokowski con la Sinfónica de Houston en octubre de 1955, y atrajo la exposición nacional de Hovhaness y muchas críticas laudatorias. Stokowski también presentó Symphony No.3, un año después en el Carnegie Hall.
Otra bendición para Hovhaness fue que entre 1955 y 1957, MGM Records lanzó una serie de LPs de Hovhaness, grabando obras importantes como los conciertos Khaldis, Lousadzak, Talin, el Concierto No.2 para violín , la Sinfonía de Saint Vartan y varias obras de cámara; en total, un total de alrededor de 20 piezas repartidas en 8 discos.
Durante los veranos de 1956 a 1959, Hovhaness enseñó en la Eastman School of Music de Rochester. En 1958, la Universidad de Rochester le otorgó a Hovhaness un título honorario de Doctor en Música. Oliver Daniel, que escribió en el Saturday Review del 22 de febrero de 1958, describió la música de Hovhaness como "momentos de tranquilidad en un mundo caótico". Este fue también el año en que la Fundación Koussevitsky encargó el Magnificat , durante muchos años una de las obras más populares de Hovhaness.
En abril de 1958 se produjo la grabación comercial de Mysterious Mountain por Fritz Reiner y la Orquesta Sinfónica de Chicago, un gran golpe para el compositor. Apareció en el sello RCA y desde entonces se convirtió en su grabación más famosa y el trabajo orquestal más realizado.
En junio de 1959, Bates College, Maine, confirió a Hovhaness el título honorario de Doctor en Música, el segundo de unos cinco doctorados que finalmente se otorgaron al compositor. La originalidad y accesibilidad de la contribución de Hovhaness a la música estadounidense se destacaron en la cita doctoral de la siguiente manera:
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"por la audacia y la delicadeza de la imaginación, por la originalidad y la individualidad sin excentricidad, por una gran cantidad de composiciones, cada una fresca y distintiva, por fusionar melodías antiguas y técnicas y espíritus modernos; en resumen, hacer música para elevar los corazones de los hombres como solo él puede."
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Hovhaness fue becario de investigación Fulbright en India durante 1959-1960, lo que coloreó aún más su paleta compositiva. Aquí estudió música de Karnatic con músicos nativos del sur de India y también fue comisionado por All India Radio para escribir una obra para una orquesta compuesta enteramente de instrumentos indios, que llamó Nagooran . Hovhaness fue el primer occidental invitado a participar en el Festival de Música anual de la Academia de Música de Madras. El día de Año Nuevo de 1960, el Madras Music Festival celebró su primer concierto de música occidental, un concierto de todos los Hovhaness. En este programa, el compositor estrenó dos obras existentes (pero debidamente tituladas), su Sonata Madras para piano y el concierto para piano Arjuna (conocido como Symphony No.8). También se estrenó Nanga Parvat (Symphony No.7, que retrata el pico del Himalaya), y todas las piezas impresionaron a los críticos nativos. Al revisar a Arjuna en el periódico The Hindu , el musicólogo indio P. Sambamoorthy señaló que representaba "un nuevo campo fértil y no pisoteado".
El catálogo de obras de Hovhaness comenzó en la década de 1950 alrededor del Opus 80; A finales de la década de 1950 estaba cerca del Opus 200, lo que indica una tenacidad creativa de alrededor de una docena de nuevas obras al año. Junto con sus viajes e investigaciones musicales, esto es muy impresionante, ya que las obras de la década de 1950 generalmente son de gran calidad, inventiva y variedad.
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| 1960 |
Hovhaness hizo su primer viaje a Japón en 1960, donde realizó sus trabajos con la Sinfónica de Tokio y la Filarmónica de Japón. Esta última orquesta grabó más tarde la versión original de la sublime Meditación sobre Orfeo . La edición del 16 de mayo de 1960 de la revista Time informó: "Los japoneses estaban intrigados por la música en trance y tranquila de Hovhaness, con su uso de patrones de danza oriental, sus pequeños remolinos de sonido". Al regresar de Oriente, Hovhaness estuvo en Europa durante un año, dirigiendo e interpretando varias de sus obras.
Una beca Rockefeller Grant permitió a Hovhaness volver a visitar el Lejano Oriente en 1962 para estudiar Ah-ak (música antigua de la corte de Corea), Bunraku y Gagaku (música ceremonial y de la corte antigua de Japón) con Masataro Togi, un reconocido músico de Gagaku. En Japón, Hovhaness fue calurosamente recibido por los medios de comunicación, de acuerdo con un informe "que la prensa le hizo el amor". Durante su estancia , se estrenó la cantata Fuji , para coro femenino japonés, flauta, arpa y cuerdas. 1962 también vio un período de seis meses como Compositor en Residencia en el Centro Este-Oeste de la Universidad de Hawai. Aquí participó en el Festival de Música y Arte en Honolulu, que incluyó el estreno de Symphony No.15 Silver Pilgrimage. En 1963 Hovhaness se instaló en Seattle. En 1965, Hovhaness realizó una gira por Rusia patrocinada por el Departamento de Estado en el marco del Programa de Intercambio Cultural.
La visita al Lejano Oriente había involucrado más investigación con músicos nativos, lo que condujo a nuevos elementos en el estilo de Hovhaness y generó un cuarto período estilístico. Aquí, Hovhaness regresa a las largas secciones armónicamente estáticas de la década de 1940, aunque ahora con melodías a menudo en cánones unisonales, y con frecuencia empleando glissandi. Es en esta fase creativa que la fuga y la polifonía del Renacimiento retroceden. Hay más falta de armonía en la década de 1960 que en la de 1950, a menudo un dron es todo lo que admite melodías. La repetición y elaboración del material reemplaza completamente cualquier desarrollo. De hecho, un comentarista japonés comparó la música de Hovhaness con un rollo desplegable, en lugar de la impresión fotográfica acorde con la mayoría de la música occidental.
1963 vio la segunda colaboración de Hovhaness con Martha Graham para su ballet Circe , esta música se convirtió en la Sinfonía n.º 18. Graham recurrió a los servicios de Hovhaness nuevamente en 1973 para su ballet Myth Of A Voyage , con la música publicada bajo el título Dream Of A Myth .
A mediados de la década de 1960, Hovhaness dividió su tiempo entre el paisaje montañoso de Lucerna (Suiza) y Nueva York. En este momento, el patrocinio entusiasta del director de orquesta André Kostelanetz aseguró que varias obras de Hovhaness se estrenaron y posteriormente fueron grabadas por la Filarmónica de Nueva York (un campeón posterior de la música de Hovhaness fue el joven trompetista de la orquesta, Gerard Schwarz). En este momento, Hovhaness creó algunas de sus obras neo-orientales más exitosas. Estos incluyeron Floating World - Ukiyo , un poema sinfónico virtuoso con connotaciones budistas, y el posteriormente popular Fantasy on Japanese Woodprints , una especie de concierto de marimba inspirado en imágenes japonesas de bloques de madera, encargado para Seiji Ozawa y la Orquesta Sinfónica de Chicago.
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 | Hovhaness (izquierda) con el director de la Filarmónica de Nueva York, André Kostelanetz, a mediados de los años 60. Kostelanetz encargó varias obras de Hovhaness, incluida la famosa pieza And God Created Great Whales , que el compositor luego lamentó haber escrito. Foto cortesía de New York Philharmonic Archive |
Fue en Lucerna, en el verano de 1966, que Hovhaness escribió una de sus obras más originales y sorprendentes, la Sinfonía de Vishnu (Sinfonía No.19). En este trabajo, que simboliza las fuerzas creativas de la galaxia, su técnica aleatoria alcanza su ápice de elaboración, con secciones enteras de "caos controlado" que representan "nubes volcánicas ... nubes celestes ... nubes de nebulosa". Con Vishnu , donde la técnica ad libitum de Hovhaness alcanza su cenit antes de retroceder bruscamente, es notable lo lejos que el compositor ha viajado musicalmente desde principios de la década de 1940, al tiempo que conserva una postura estética única e intransigente. |
| 1970 |
En 1966/67, Hovhaness había sido compositor en residencia con la Sinfónica de Seattle. A principios de la década de 1970, Hovhaness se mudó permanentemente a Seattle, Washington. Sus vínculos recientes con la Orquesta Sinfónica de Seattle habían provocado involuntariamente una historia de amor con el paisaje: "Me gustan mucho las montañas. No tengo que ir a Suiza, espero quedarme aquí".
El cambio más obvio en la música de Hovhaness de la década de 1970 (y posteriormente) fue la retirada de los dispositivos de sonido abiertamente orientales / orientales. En todo caso, Hovhaness se desvió hacia un enfoque neo-romántico más occidental, pero aún dentro de los reinos de la melodía rapsódica y la expresión mística. Cabe destacar la expansión de la armonía de lo puramente modal (como en la década de 1960) a lo completamente cromático, incluidos los tonos enteros y los acordes disminuidos. Como siempre, estas relaciones sirven únicamente por sus efectos sensoriales. Al referirse a un trabajo de principios de la década de 1970, Hovhaness escribió: "este período en mi música va hacia una expresión romántica".
A principios de la década de 1960, los LP de MGM y Mercury Hovhaness de la década de 1950 estaban agotados y las grabaciones nuevas eran menos frecuentes. Alrededor de 1963, Hovhaness y su quinta esposa, Elizabeth Whittington (hija del director de orquesta Dorsey Whittington y un pianista que había estudiado con Mieczyslaw Horszowski), tuvieron la idea de emitir un LP autoeditado de su música. Después de este LP de prueba, varios lanzamientos siguieron a principios de los 70 en el sello propio de la pareja, Poseidon Society. Poseidón grabaría y distribuiría su música de forma independiente, con todas las grabaciones supervisadas o dirigidas por el compositor y financiadas por ellos mismos. Algunas de estas grabaciones fueron autorizadas por el sello independiente británico Unicorn. Compuesto principalmente por obras orquestales dirigidas por el compositor, los lanzamientos de Poseidón pueden considerarse interpretaciones definitivas de sus obras.Señora de la luz . Esta postura proactiva permitió que la música llegara a audiencias nacionales y extranjeras más amplias. A través del boca a boca, en lugar de la publicidad, los LP de Poseidon se vendieron bien: la compañía en un momento aparentemente capaz de recaudar más de $ 100,000 por año. Después del divorcio de la pareja, Elizabeth retuvo la propiedad de las grabaciones de Poseidón, quien luego vendió el catálogo a Crystal Records, quien los emitió en casete y luego en formato CD.
Sin embargo, no fueron solo los lanzamientos de Poseidón los que se vendieron bien a principios de la década de 1970, sino que la música en sí misma estaba en demanda para presentaciones en vivo. La declaración de regalías de Hovhaness de 1975 del editor CF Peters Corp. tenía 17 páginas. Casi todas sus 240 composiciones se vendieron ese año, desde 1 copia del Concierto de acordeón hasta 5.620 copias de la pieza coral de 4 páginas De los extremos de la tierra . Por lo tanto, a pesar de estar críticamente pasado de moda, el compositor podría vivir de su trabajo, en lugar de enseñar en cualquier institución académica. Además, regularmente recibían comisiones de patrocinadores externos, como el gobierno coreano para Symphony No.35.
A pesar de las saludables ventas de música, en 1972 Hovhaness se separó de la editorial principal Peters Edition después de 17 años. Brevemente, fue publicado nuevamente por Peer (1972-77) y AMP (1974). Unos años más tarde, en un concierto de su música, conoció a la soprano japonesa, y una vez actriz, Hinako Fujihara. Ella se convertiría en su esposa durante los últimos 23 años de su vida. Fujihara Music fue creada para publicar su nueva música. Al igual que una esposa anterior, que había administrado la Poseidon Society, Fujihara administró una compañía discográfica independiente para lanzar la música del compositor, esta vez llamada Fujihara Records. Los lanzamientos incluyeron Symphonies 31, 38, 40 y 47, así como trabajos de cámara vocal.
Aunque distante del establecimiento de música clásica estadounidense, pero habiendo contribuido con una gran cantidad de música, en 1977 Hovhaness fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras.
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| 1980 - 2000 |
Durante las últimas dos décadas de su vida, el estilo de vida nómada de Hovhaness cesó un poco. Felizmente casado y cada vez más frágil, viajó al extranjero con mucha menos frecuencia, pero continuó componiendo noticias a su ritmo prolífico habitual. La productividad finalmente disminuyó en la década de 1990 y la enfermedad aguda llegó alrededor de 1996.
En mayo de 1981, Henry Hinrichsen, presidente de CF Peters, se dirigió a Hovhaness con una comisión única para una sinfonía sobre el tema del Monte St. Helens, el famoso volcán que había entrado en erupción en 1980. Hovhaness se entusiasmó con la idea y aceptó, en El proceso que recibe la primera comisión pagada a un compositor durante la asociación de 10 años del Sr. Hinrichsen con Peters. Tanto la Sinfónica de Seattle como la Sinfónica de San José querían dar el estreno de la obra, que finalmente fue decidido por el compositor al lanzar una moneda.
Entre 1980 y 1989, Hovhaness escribió unas 80 obras, incluidas casi 20 sinfonías. Solo 1986 fue testigo de la creación de seis sinfonías. Generalmente mucho más largo que las sinfonías anteriores, algunos comentaristas han aludido a una prolijidad musical en sus últimas sinfonías que no se evidencia en su trabajo anterior. En un programa de conciertos de la Sinfónica de Knoxville en 1986, el compositor afirma que parece "ser cada vez más prolífico con los años, desafortunadamente para mis editores. Mi éxito ahora es una gran sorpresa para mí: durante la primera mitad de mi vida fui conocido como el compositor que nunca actuó. No tuve suerte hasta los 41 años, cuando Leopold Stokowski, el gran director, dirigió una de mis piezas y decidió defender mi trabajo ".
En 1991, en homenaje al compositor en su 80 cumpleaños, la American Composers Orchestra, junto con la Iglesia Apostólica Armenia de América, presentó una celebración de gala en el Carnegie Hall. Presentaba al premiado director de orquesta y compositor Karel Husa, al clarinetista Lawrence Sobol, al cantante Richie Havens y al propio Hovhaness dirigiendo la primera y última obra, una de las cuales fue la primera interpretación de su Sinfonía n. ° 65, Op.428, titulada Artstakh . Solo seguirían dos sinfonías más, el próximo año.
En 1994, aún componiendo, comentó: "No temo morir porque tengo tantos amigos esperándome en el otro lado". En 1996, la buena salud de Hovhaness finalmente comenzó a disminuir notablemente. Por primera vez en 80 años no pudo componer. Después de tres años de cuidados intensivos, murió en Seattle el 21 de junio de 2000 de una enfermedad estomacal a largo plazo.
El 23 de abril de 2001, se celebró un concierto conmemorativo de Hovhaness en el Benaroya Hall de Seattle y posteriormente se repitió en Nueva York. Por primera vez, la sala de conciertos renunció a su tarifa de alquiler, y el director de la Sinfónica de Seattle, Gerard Schwarz, y la arpista solista Yolanda Kondanassis ofrecieron sus servicios. El director leyó una carta del compositor Lou Harrison que declaraba a Hovhaness "uno de los grandes melodistas del siglo XX" y "un maestro para todos nosotros". Schwarz, él mismo un defensor de Hovhaness por más de 30 años, rindió el siguiente homenaje al hablar con el Seattle Times: "Estaba tratando de agregar belleza y sensibilidad al mundo. Se preocupaba profundamente por la bondad y la naturaleza, y ha tenido un tremendo impacto. Conozco a Alan desde 1963 ... a lo largo de todo, incluso en los tiempos en que su música no era Tan a la moda, se apegó a su pensamiento y a su estilo distintivo, que tenía una pasión y también una gran reserva. Se destacó. Alan fue increíble ... fue uno de los grandes compositores de nuestro tiempo ".
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Hovhaness tenía un comportamiento distante, varios asociados comentaron que era cortés pero distante. En privado era un ávido conversador con un agudo ingenio. Se casó varias veces, pero encontró una felicidad duradera con su sexta esposa, durante los últimos 23 años de su vida. No le gustaba enseñar, ni retener ninguna responsabilidad a largo plazo, probablemente un factor contribuyente en la ruptura de varios matrimonios. Algunas de sus esposas eran artistas creativos (el primero pintor, el quinto pianista). Su preocupación de por vida fue su composición, y pensó que poco más tenía una importancia comparable. Podría ser hipersensible a las críticas (muchas de las cuales fueron el resultado de un malentendido de su música), pero más tarde los críticos lo molestaron menos. También podría perder la paciencia con artistas menos capaces,
Hovhaness hizo una presencia física imponente, siendo alto con una cara de rasgos fuertes y manos muy grandes. En persona, era, por lo visto, gentil y educado, aunque ocasionalmente algo distante. Su destreza intelectual fue considerable: desde muy joven fue receptivo al arte, la literatura y la filosofía, no solo a la música. Más tarde en la vida, afirmó que algunas experiencias místicas le habían traído secciones musicales enteras (como parte de Mysterious Mountain y el largo tema de Fra Angelico ). Las preocupaciones místicas y religiosas de muchas obras reflejan una perspectiva espiritual panteísta (Hovhaness nunca se adhirió a ninguna doctrina religiosa específica) que refleja exactamente la gran diversidad de sus influencias musicales: Hovhaness era verdaderamente un ciudadano del mundo.
Hovhaness se dedicó a la composición a tiempo completo tan pronto como era financieramente factible, a mediados de la década de 1950, a pesar de que los compositores generalmente se establecieron una vez que se aseguró una cita académica. Hovhaness podría componer en medio del ruido y la actividad, simplemente cerrando el mundo exterior. La música siempre estaba en su cabeza; las ideas lo "perseguirían" si no las escribiera. Probablemente tenía la condición conocida como hipergrafía, una necesidad abrumadora de crear a diario. Incluso en un restaurante sacaba una servilleta para apuntar ideas, y casi todas las fotografías de él muestran un implemento de escritura o dos listos en el bolsillo de su pecho. Una vez habló de escribir fugas "para mantenerme ocupado"; bien podría haber escrito más fugas que cualquier otro compositor del siglo XX.
Mientras que muchos compositores han coqueteado con la música de culturas distantes simplemente como un recurso conveniente para su propio banco de ideas, Hovhaness incorporó la estética y la esencia de estos modismos en su pensamiento muy musical, creando una música homogénea y verdaderamente trascendental en un momento en que la mayoría de sus compañeros estaban atrincherados en la ciudadela del "modernismo" musical. En su mayor parte, el suyo era un Gebrauchsmusik (o música funcional) accesible, no elitista , bastante capaz de transportar al oyente desde el tiempo cotidiano cotidiano a la contemplación interna o de otro mundo.
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| "Desde sus días como un excéntrico aislado que interpretó su música exótica para amigos en el área de Boston mientras vivía con unos escasos ingresos obtenidos como organista de la iglesia, hasta hoy cuando es considerado como uno de los compositores más originales y ampliamente interpretados y grabados de Estados Unidos. , Hovhaness se guió por una dignidad, humildad e integridad que le permitieron hacer uso de cualquier medio y oportunidad disponibles para perseguir su propia visión única e intransigente ". | |
| Walter Simmons | |
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Mi propósito es crear música no para esnobs, sino para todas las personas, música que es hermosa y curativa. Intentar lo que los viejos pintores chinos llamaron 'resonancia espiritual' en melodía y sonido.
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| Alan Hovhaness Foto cortesía de la Sra. Hinako Hovhaness |
Tomado y traducido de - http://www.hovhaness.com/hovhaness-biography.html
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